sábado, 15 de marzo de 2014

Alguien voló sobre el nido del cuco (crítica)







Título original: One Flew Over the Cuckoo's Nest
Año: 1975
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos
Director: Milos Forman
Guión: Bo Goldman, Lawrence Hauben (Novela: Ken Kesey)
Música: Jack Nitzsche
Fotografía: Haskell Wexler
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Scatman Crothers, Dean R. Brooks, Delos V. Smith Jr., Josip Elic, Kay Lee, Louisa Moritz, Mews Small, Mimi Sarkisian, Mwako Cumbuka, Nathan George, Peter Brocco, Sydney Lassick, Vincent Schiavelli, William Duell
Productora: United Artists / Fantasy Film
Género: Drama | Enfermedad. Película de culto. Discapacidad.



Jefe Indio: ''Mi padre si que era fuerte, hacía lo que quería, por eso nunca le dejaban en paz''.


One Flew Over the Cuckoo's Nest Cast Pic 1 Jack Nicholson



La película trata la historia de un delincuente acusado por violación que para poder evitar la dura condena en la cárcel se hace pasar por loco y así recibir un mejor trato. Una vez ingresado, se da cuenta de que se encuentra en un sitio dominado por reglas impuestas por una autoritaria enferma. Allí, comienza a desatar su díscola personalidad rebelándose contra las normas y consiguiendo que los demás internos lo vean como un ejemplo a seguir, es decir, un líder. Después de varios altercados, primero le someten a medicamentos y  electroshocks y finalmente acaban haciéndole la lobotomía.


Dentro de todo este breve resumen, ahora nos adentramos en analizar a los personajes, al trasfondo crítico de la película y a desentrañar todo lo posible de la historia.


Randle C Mc.Murphy, un pendenciero, libertino, borracho y acusado por diversos intentos de violación acabará entre rejas. Por eso, decidió simular que tenía un trastorno psiquiátrico y así recibir un trato menos severo. Luego, se dará cuenta de su error ya que el régimen institucional de ahora es mucho más rígido. Randle, lo podemos identificar como el lado opuesto de la enfermera la cual representa las rígidas reglas del manicomio. Por eso, los dos se repelen y acaban teniendo problemas como en su primer enfrentamiento ya que Randle quería que bajara la música para poder conversar mejor con sus amigos y ella le dice que no, porque hay gente mayor que no oiría la música. Eso provoca la ira de Randle y su posterior rechazo a la pastilla y a seguir las órdenes de la enfermera. 


El segundo enfrentamiento, es cuando él quiere que pongan el partido en la televisión y ella se niega porque no hay suficientes votos. Una vez él consigue los votos suficientes ella vuelve a negarse porque ha pasado el tiempo establecido para conseguirlos. Acto seguido, la genialidad de ''Randle'' es imitar ese partido y de esa manera desatarse de las normas ya que aunque nos prohiban ciertas cosas, Randle nos demuestra que dentro de nosotros somos libres de hacer lo que queramos.

El último enfrentamiento, es cuando ''Billy'' se suicida y Murphy desesperado por ver hasta qué punto ha llegado la ineptitud del personal psiquiátrico a la hora de mejorar y apoyar a los pacientes, decide estrangular a la enferma. Es reducido rápidamente por los médicos.

Podríamos resumir que ''McMurphy'' se representa como el hombre más libre que actúa en contra de la autoridad establecida, lo cual constituye el gran acto de libertad, o mejor dicho, el acto humano esencial. Realmente, es el único individuo dentro de la gran masa, que piensa que el acto de desobedecer y de ser libre es el acto de la razón. Pero en este mundo, la libertad tiene un coste y sobretodo en un sistema tan autoritario. El coste que recibe McMurphy es la lobotomía.
 
 

En segundo lugar: ''El jefe''.

El jefe indio Bromdem es interpretado por ''Will Sampson''. Él teme la libertad y todo el precio que puede conllevar. Realmente la libertad es elegir lo que queremos hacer en cada momento, pero esa manera de elegir tiene su parte negativa y es por eso que no queremos ser libres. Tenemos miedo a equivocarnos, preferimos que los demás elijan y tomen las decisiones por nosotros. La elección del jefe, en un principio es formar parte del sistema, de un grupo unido, que aunque eso implique falta de individualidad, también le proporciona seguridad. Este grupo se centra en los enfermos mentales y es donde el indio se integra. Ahí es capaz de llegar a fingir ser sordo-mudo, un buen mecanismo de defensa a esa sociedad en la que vive (prefiere ni oír ni hablar). Ante la llegada de Randle, el jefe indio comienza a encontrar su parte de individualidad y eso le proporciona una mayor fuerza interna. Este proceso le llevará a la soledad y es así como termina el jefe indio, enfrentándose a las normas autoritarias y buscando su libertad interior rompiendo los mendaces vínculos que le unían al sistema.
 



Luego tenemos a Martini, un joven ''Danny DeVito, que está afectado por un claro retraso mental aunque eso no le impide poder cambiar a veces las reglas a su favor.

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En cuarto lugar, está el vulnerable ''Billy Bibbit'' interpretado por ''Brad Dourif'' que está completamente sumiso ante la enfermera jefe. Este tartamudo y pusilánime Billy está en el centro porque muestra miedo al enfrentarse a la realidad, y eso hace que reprima sus actos. Él recibe el trato de la enferma como si de una madre castrante fuera. Realmente, el personal del centro no les aporta/an la suficiente confianza y seguridad que necesitan para que puedan progresar. Solamente, la actitud de Randle le hace despertar en él su autonomía y decisión personal. Una vez es descubierto en ''las manos en la masa'' y al no recibir un trato más comprensivo de la enfermera jefe, eso desembocará en su suicidio ya que se juntó tanto su debilidad para afrontar las cosas como sus contradicciones internas.


En el plano opresor, tenemos a la enfermera jefe ''Mildred Ratched'' interpretada por ''Louise Fletcher'' en uno de los papeles más odiosos de la historia del cine. Ella representa totalmente el autoritarismo, que aunque muchas veces aporta un trato cordial no deja de ser ese sistema represor que utiliza todos los medios posibles para imponerse dando una imagen de bien común.
  



Por último, nos queda el resto de la ''alegre pandilla de chalados''. El callado y barbudo ''Scalon'' (Delos V. Smith Jr.),  la pareja de cínicos formada por ''Fredrikson'' (Vicent Schiavelli) y Jim Sefet (William Duell) que va ingiriendo la medicación como si fueran caramelos. Luego está el coronel anciano Matterson (Peter Brocco) obsesionado en semillas de papaya, el asténico ''Bancini'' (Josip Elic) enfermo de un síndrome de fatiga crónica y el pedante ''Harding'' (William Redfield). Este grupo de pacientes, no se encuentran integrados en la sociedad y muchos de ellos son los que deciden internar en el psiquiátrico.
  

El problema deriva en que aunque ellos mismos se autoexcluyen, el personal médico no les hacen avanzar lo suficiente como para poder enfrentarse mejor a la vida real. 


Una vez abordado el análisis de los personajes y lo que aporta cada uno en la película, terminaré añadiendo algunos datos para completar la crítica: 


 La mejor escena:
 
Esta es la escena más sentimental de la película. Cuando todos creían que McMurphy había escapado, ''Gran jefe'' pensaba que no se iría sin él. Realmente, Mc.Murphy no se había escapado sino que había sido lobotomizado. Una vez descubierto este hecho por ''gran jefe'', le causó una gran desilusión, impotencia y aflicción ya que él ya había decidido y tenía muy claro el escaparse. Este hecho inoportuno conllevó a que se diera cuenta de que en ese estado, la vida de Murphy valía poco y ante la imposibilidad de no hacer nada le quitó la vida. 



Dos diálogos en especial: 

1. Mc.Murphy: ''.... pero si eres una criatura, ¿Qué haces aquí? Deberías estar por ahí en un descapotable ligando con todas las chavalas que te salieran al paso, pero ¿Qué haces aquí? por el amor de dios...... ¿No lo entiendo, no hacéis más que lamentaros porque no soportáis estar aquí y no obstante ninguno de vosotros tiene los suficientes redaños para marcharse, pero ¿qué creéis?, ¿qué estáis locos o por el estilo? Pues ¡no lo estáis!, ¡no lo estáis!, no estáis más locos que esa infinidad de individuos que van por las calles, podéis estar seguros''.

2. Mc.Murphy: ''Bueno, ahora cada uno de nosotros tiene un pez, ¿de qué te ríes Martini? Tú no eres un idiota, tú no eres un loco desgraciado amigo''. 

¿Qué conclusión saco en esto? Cómo es posible que un violador pendenciero sea capaz de motivar, aceptar, no discriminar, integrar y ser más humano que los médicos de la institución. En estos dos diálogos, vemos como ''Mc.Murphy'' no los excluye, todo lo contrario, les dice que no son locos y los trata como personas útiles que puedan desempeñar trabajos. Así es como deberían tratarlos allí dentro y no ponerlos únicamente música de fondo para acabar enloqueciendo.
   







Significado del título: ''Alguien voló sobre el nido del cuco''



Hay muchas maneras de interpretar este título, aunque yo me decanto por estas dos: 

1. Realmente el ''cuco'' en inglés significa ''loco''. El cuco es el único pájaro que no tiene nido y por lo tanto, va poniendo los huevos en otros nidos. ''Alguien voló sobre el nido del cuco'' se refiere a ''Randle'' como ese cuco que llega a un nuevo nido (institución psiquiátrica) y aporta su esencia y su manera de pensar cambiando la vida a todos los pacientes de dentro. 

2. Me di cuenta más tarde, que el título corresponde a una canción. El guión de esta película esta basado en una novela homónima escrita por Ken Kesey. Este señor parece ser que trabajó en un psiquiátrico en los turnos nocturnos, y se basó en su experiencia allí para argumentar su novela. También se basó en una canción infantil que canta así:

Vintery, mintery, cutery, corn,
Apple seed and apple thorn;
Wire, briar, limber lock,
Three geese in a flock.
One flew east,
And one flew west,
And one flew over the cuckoo's nest.

En las tres últimas frases dice: ''Uno voló al este, otro voló al oeste y uno voló sobre el nido del cuco''. Si hacemos una analogía con la película nos damos cuenta de que McMurphy y la enfermera jefe ''vuelan'' en lados distintos (este y oeste) y en cambio, el jefe indio los va observando y su acción es ambas. Por lo tanto, es el jefe indio que vuela sobre el nido del cuco.



¿Con cuál nos quedamos? Elijan ustedes.

  

Curiosidades: 

1. Todo el rodaje, que comenzó en el otoño de 1974, transcurrió en el interior del hospital del Estado de Oregón, en la ciudad de Salem. Antes de comenzar a rodar, Nicholson permaneció dos semanas en el centro estudiando el comportamiento cotidiano de los enfermos. Una vez que se inició el trabajo, numerosos pacientes tuvieron la oportunidad de aparecer como extras en la película. El único percance serio que hubo que lamentar tuvo lugar a comienzos de 1975. Un técnico del equipo de rodaje quitó la pantalla protectora de una de las ventanas para poder pasar un cable de electricidad para los focos. Al rato, uno de los pacientes saltó por la ventana y se rompió varios huesos en la caída. Al día siguiente, el periódico local tituló así la noticia: “Alguien voló fuera del nido del cuco”. 


2. El libro: El periodista Ken Kesey entró en contacto a finales de los años 50 con los nuevos tratamientos y medicamentos que estaba estudiando la psiquiatría de ese tiempo. Kesey no solo tuvo la oportunidad de conocer la rutina de un ala hospitalaria sino que se presentó como cobaya humana para el testeo de nuevas drogas y psicotrópicos. De toda esa experiencia nació la novela  ''Alguien voló sobre el nido del cuco''.

3. Capítulo de los Simpsons que hacen mención a la película: 
http://www.dalealplay.com/videos/Los-SImpsons-y-Alguien-volo-sobre-el-nido-del-cuco_176225

Louise Fletcher as Nurse Ratched
   

Premios: 

''Alguien voló sobre el nido del cuco'' Ganadora de 5 Premios Oscar, en 1975:

Mejor película
Mejor director (Milos Forman)
Mejor actor (Jack Nicholson)
Mejor actriz (Louise Fletcher)
Mejor guión adaptado (Lawrence Hauben y Bo Goldman)

Nota: fue la primera película, en 41 años, en ganar las máximas
categorías (película, director, actor, actriz y guión).

Otras 4 nominaciones en Premios Oscar 1975:
Mejor actor de reparto (Brad Dourif)
Mejor montaje (Lynzee Klingman, Richard Chew y Sheldon Kahn)
Mejor fotografía (Haskell Wexler y Bill Butler)
Mejor banda sonora (Jack Nitzsche).
1975: Globo de Oro a la Mejor película (Drama) y BAFTA a la Mejor
película.



  
Mi valoración - conclusión: 

Una película que nos demuestra como una persona logró cambiar durante un tiempo las vidas rutinarias de muchos pacientes, alguien que defensó su punto de vista, que argumentó contra la hipocresía y el cinismo, y eso que era un violador, vago, pendenciero y díscolo ''Jack Nicholson''. Fue capaz de abrirnos los ojos enseñándonos que dentro del mal existe bien y dentro de lo que creemos correcto y bueno existe mal, que nos hizo reír haciéndonos creer que eran auténticos médicos, pero al mismo tiempo nos hizo llorar con su trágico final ya que cada vez que veo esa escena de noche, con la ventana abierta, apunto de escapar y despidiéndose de sus amigos me rompe el alma pensar en su triste final estando a un paso de la libertad. Todo esto envuelto de una fotografía espléndida, una banda sonora que te llega al alma, unos diálogos para reflexionar y es por todo esto que hoy en día esté considerada un clásico del cine.

Interesante la primera escena de la película con el sonido de un pájaro de fondo...


Nota: 9/10 




Banda Sonora: 






Doctor - ¿Has oído usted alguna vez el refrán ''piedra que corre no cría moho''?
McMurphy - Sí...
Doctor - ¿Qué significa para usted?
McMurphy - Algo así como no laves la ropa sucia en público
Doctor - ¿Qué quiere decir?
McMurphy - Soy más listo que él, ese refrán siempre ha significado que es difícil que algo crezca sobre una cosa que se mueve.

viernes, 14 de marzo de 2014

Tener y no tener (crítica)


Título original: To Have and Have Not
Año: 1944
Duración: 100 min.
País: Estados Unidos
Director: Howard Hawks
Guión: Jules Furthman & William Faulkner (Novela: Ernest Hemingway)
Música: Franz Waxman
Fotografía: Sid Hickox (B&W)
Reparto: Humphrey Bogart, Walter Brennan, Lauren Bacall, Dolores Moran, Hoagy Carmichael, Sheldon Leonard, Walter Szurovy, Marcel Dalio, Walter Sande, Dan Seymour, Aldo Nadi
Productora: Warner Bros. Pictures
Género: Cine negro. Intriga. Thriller | II Guerra Mundial
Sinopsis: Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Harry Morgan y Eddie son dos marineros que están en la isla de Martinica, esperando inútilmente que algún barco los contrate. Al final, se verán obligados a trabajar para la Resistencia.


 Slim: ''Sabes Steve, no eres difícil de comprender, sólo
a veces, pero en otras se exactamente lo que vas a
decir, casi siempre, las otras veces....las otras veces
eres como una púa''.
(Slim besa a Harry, al que se empeña en llamar Steve)
Steve: ''¿Por qué has hecho esto?''
Slim: '' No estaba segura de si me gustaría''
Steve: ''¿Cual es el veredicto?''
Slim: '' Todavía no lo sé...''






Mi valoración:  ''Cuando los diálogos y las interpretaciones son impecables''

''To Have and have not'' es una película adaptada de manera adecuada a la situación política de la época en que se creó la novela de ''Ernest Hemingway''. El guión, es una mezcla perfecta de intriga, humor y romance, realizado por William Faulkner ganador ni más ni menos del Premio Nobel de Literatura.


La película tiene muchas analogías con la mítica ''Casablanca'' (1942) de Michael Curtiz la cual yo considero su hermana menor. En primer lugar, la acción de ambas se desarrolla en la Segunda Guerra Mundial y casualmente en un sitio aparentemente exótico. En ''Casablanca'' se encontraban en un café y aquí en un hotel. En ambos sitios tenemos presente la figura de un pianista animando las veladas nocturnas. Por último, el personaje de Humphrey Bogart sigue la misma línea de antihéroe, tipo duro, con diálogos ocurrentes, sin remordimientos y bastante reacio a la causa aliada anti-nazi pero que termina siempre ayudándoles o uniéndose. Al final nos muestra que tiene ''corazoncito'', eso sí, sin cambiar de rostro.


Sabiendo que es una película de ''Hawk'', está claro que uno de los puntos fuertes e importantes son los personajes y las relaciones de amistad y amor que los unen, dejando en otro plano todo ese entorno bélico que están envueltos.

Un aspecto muy relevante a destacar en esta obra, es mencionar la fotografía en blanco y negro de ''Sid Hickox'' que le da una atmósfera repleta de claroscuros al igual que la interesante banda sonora de ''Franz Waxman''.



 ¿Qué puedo destacar de esta película?

Especialmente el gran puñado de escenas memorables; sobretodo y exclusivamente todas aquellas protagonizadas por ''Bogart'' y ''Bacall'', que justamente al año siguiente se casaron. Formaron un idílica pareja durante 13 años hasta que Bogart murió. Sin duda, en la película entre ellos, se nota una química tanto en las miradas como en los gestos que se puede palpar la tensión sexual del momento. Claramente eso el espectador lo nota y es por eso que los momentos que están juntos ya no importa tanto los diálogos sino la credibilidad y realismo con que lo dicen. Simplemente genial. Hay que tener en cuenta que ''Lauren Bacall'' tenía 19 años y esta era su primera aparición en pantalla. Indiscutiblemente, sorprendió a todos con su portentoso descaro y por esa belleza felina.

Aparte de ellos dos, tenemos también al amigo borracho que va preguntando a todo el mundo si alguna vez les ha picado una abeja muerta. Solo ''la flaca'' le da la respuesta correcta. Realmente presenta algún que otro diálogo ingenioso como cuando le dicen que tiene buena memoria para ser alcohólico y él responde: ''Si el alcohol afectara a mi memoria, no bebería. Olvidaría su sabor!. En otro ocasión, le preguntan a Bogart ¿Por qué le cuida? a lo que responde: ''Él cree que cuida de mi''. De ahí podemos resumir la relación de amistad que hay entre ellos dos, juntos, bebiendo dentro del ''Queen Coch''.



Steve: ''Anda alrededor mío, adelante, anda alrededor mío. ¿Has encontrado algo?''
Slim: ''No, no Steve, no hay cuerdas que te sujeten. Todavía no''.



 Curiosidades:

1. El origen de la película nace de una broma entre Ernest Hemingway y Hawks. El director le dijo que él sería capaz de hacer una gran película incluso de su peor novela. Hemingway, aceptó el reto de Hawks y dijo que ese libro era el peor. Hawks, se lo tomó en serio y demostró que no era un farol aunque cambió parte de la historia (como el final) y a parte de Hemingway contó también con otro Nobel, William Faulkner''.

2. La película se rodó 2 años más tarde de ''Casablanca'' y se la tomó como una segunda parte de ella, ya que hay muchas coincidencias. A parte de todas las dichas anteriormente, hay que destacar una habladuría que dice que el guión se iba escribiendo un día antes de cada rodaje.

3. Lauren Bacall, después de realizar ''Tener y no tener'', se quedó con el sobrenombre que siempre le acompañaría ''La flaca'', ya que es el apodo que le decía ''Bogart''. También se quedó con su frase mítica: ''Si me necesitas silba'', dicha en cierto momento de la película  a Bogart y que se lo llevaría a su tumba, en la que se cuenta que le depositó un ''silbato de plata''.




Mi conclusión: ''Tener y no tener'' no llega al nivel de ''Casablanca'' pero dejando de lado las comparaciones y centrándonos solo en esta película como si no existiera ninguna más - cosa que es así como hay que valorar- pienso que tiene su propia personalidad ya que nos presenta una cantidad de diálogos que junto con esos dos actores, tan puestos en el papel, hace que la película tenga un toque distintivo y único. En el caso de esta película, me he dado cuenta que el 90% de la gente, vota que es una película apoteósica, increíble, sublime y todos los sinónimos posibles. Luego nos encontramos a otros críticos que al observar tantas críticas positivas luego ven la película y se quedan despagados y lo explican en sus críticas. Yo digo, que ''Tener y no tener'' tampoco es una película para echar cohetes, pero dejando de lado la trama de la película, si nos centramos en sus puntos fuertes ''Guión-diálogos e interpretaciones-Bogart-Bacall, yo digo que son ''SOBRESALIENTES'' y con eso lógicamente no se puede calificar malamente a ninguna película.

Nota: 8,5/10


 Harry: No se cuando volverás a tu casa. Podría ser
mucho tiempo.
Slim:Podría ser para siempre, ¿o tienes miedo de eso?.
Soy difícil de conseguir Steve. Todo lo que tienes que
hacer es pedírmelo.













 



Banda Sonora: 


La escena indiscutible de la película: 


“ Sabes que conmigo, no tienes que fingir, Steve. No tienes que decir nada y no tienes que hacer nada, nada en absoluto, o tal vez solo silbar.  Sabes cómo hacerlo, ¿verdad, Steve? Tienes que juntar los labios y soplar…”



miércoles, 12 de marzo de 2014

Con faldas y a lo loco (Crítica)




Título original: Some Like It Hot
Año: 1959
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond (Historia: Robert Thoeren, Michael Logan)
Música: Adolph Deutsch
Fotografía: Charles Lang (B&W)
Reparto: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Joan Shawlee, Billy Gray, George E. Stone, Dave Barry, Mike Mazurki, Harry Wilson, Beverly Wills, Barbara Drew, Edward G. Robinson Jr.
Productora: United Artists / Ashton Productions / The Mirisch Corporation
Género: Comedia | Años 20. Mafia. Remake


Para la película que nos concierna hoy, ''Con faldas y a lo loco'' partiré mi escrito en dos partes. La primera parte, constará de un análisis de la película, tanto en personajes, trama... y en segundo lugar daré una breve conclusión de la película.



 -¿Qué clase de pez es?
 -Eh… Es un miembro de la familia de los arenques.
 -¡Un arenque! Resulta maravilloso que puedan meter pescados tan grandes en latitas tan pequeñas
-Sí, se encogen con el vinagre.

Análisis de los personajes
 
Joe y Jerry, o Tony Curtís y Jack Lemmon, son la clásica pareja de hombres que se han repetido en las películas de ''Wilder'': En bandeja de plata, La vida privada de Sherlock Holmes y Primera plana. Siempre encontramos la amistad y respeto (exceptuando ''En bandeja de plata) y nunca es ajena la homosexualidad y la pareja. En ''Con faldas y a lo loco'', Wilder da una paso más.


JERRY

 

                 
                  Jerry tiene un carácter más pasivo e intenta lograr ''seguridad''. Se encuentra más necesitado de protección y accede a menudo a todo lo que Joe le ordena -apuesta de caballos, vender los instrumentos, entretener a Osgood para que Joe consiga su yate, etc.-. Además, en el momento en que se viste de mujer, no pierde su indumentaria. Cuando se relaciona con las demás chicas, da la sensación de comprender completamente el sexo opuesto y, al final es el único que consigue sentirse atraído por un hombre. En los momentos que flirtea con Osgood, Jerry no se siente desesperado ya que no lo rechaza. Incluso, acepta sus regalos y se siente un poco nostálgico de compartir una vida a su lado. Jerry, que es un fracasado en las mujeres, se siente lleno de gozo en la nueva situación. Por fin ha encontrado un rol que le permite relacionarse, sentirse deseado y ser aceptado con cariño por sus compañeras. Su vida ha dado una vuelta de 180º. Realmente, la amistad que tiene con Joe es por un interesado cambio de roles en la necesidad de apoyarse en alguien.


JOE 
                 

                      En el otro polo nos encontramos a Joe, un egoísta que se aprovecha de Jerry para conseguir dinero o huir de la persecución de ''Botines''. Él es completamente varonil y nunca cambia su rol. Es por eso, que su acercamiento hacia las demás chicas es sólo circunstancial. No le gusta el papel de mujer y solo recurre a ello por necesidad ya que él solo desea quitarse ese andrajoso vestido. En la primera oportunidad que se presenta en la playa, intenta seducir a Sugar. Consigue entablar una relación que le llevará a conquistarla hasta confesarle su personalidad. Joe es más vividor y conoce a las mujeres como para conseguir lo que quiere de ellas. Cuando lleva la ropa de mujer, le cuesta ponerse en el papel y elude inteligentemente el contacto con ellas. Cuando conquista a Sugar, eso le aporta la tranquilidad de no haber perdido sus dotes de galán. Siendo fiel a sí mismo, utiliza a Jerry para conseguir el regalo de Osgood y dárselo a Sugar y también se aprovecha de Jerry para que se quede con Osgood y así conseguir su yate para entablar una velada intima.

SUGAR:


                El personaje de Sugar resulta bastante cercano a lo que podemos conocer de la vida íntima de Marilyn. Wilder, precisamente tuvo que ser consciente de esos paralelismos.  Ella, ha sufrido tantas veces las malas consecuencias de las promesas de los hombres que se encierra en una caravana repleta de mujeres y ahoga sus lamentos amorosos con el ''bourbon''. La interesante interpretación de Marilyn cuando relata el ese triste pasado de Sugar, parece desentrañar su inseguridad, sus traumas de la adolescencia, su difícil dependencia de las drogas y su colosal lema ''Siempre me ha tocado cargar con la peor parte''. 


OSGOOD

 



                Por último, Osgoodun avispado multimillonario, conquistador, casado ocho veces, una fuerte relación con su madre ya que siempre le pide permiso para salir con una chica, bastante caprichoso y un poco excéntrico. Su papel, aunque es menos importante que el de los otros tres personajes, tiene su peso a la hora de enlazar las dos tramas y darle ese tono loco y transgresor de la historia.

          
Casi todos los personajes (con la posible excepción de Osgood ) aparentan ser algo que no son en realidad. Joe y Jerry, evidentemente, intentan por todos los medios a su alcance hacerse pa­sar por mujeres: se tambalean sobre los tacones, contonean las caderas y se comportan de un modo opuesto a como son en realidad para pa­recer amables y educados. Luego está la segunda mascarada de Joe, que se hace pasar por Shell Oil Jr. Sugar, por su parte, intenta hacerle creer al supuesto millonarjo que su orquesta, Sweet Sue y sus muchachas sincopadas, en realidad está formada por chicas de la alta sociedad que actúan para no aburrirse. Incluso los mafiosos que acuden al hotel de Miami en el último tercio de la película quieren hacerle creer al espectador que en realidad van a una convención de los Amigos de la Ópera Italiana.''

Kevin LALLY : “ Billy Wilder. Aquí un amigo “, Ediciones B, Madrid 1998, pgs 336-337






         Reflexión de la estructura     
   

Si nos fijamos, es muy interesante la estructura de la película ya que cada una de las situaciones que viven los protagonistas les determina un nuevo destino.

1.- El estar envueltos dentro de la redada policial en ''el Funeral Parlor'', les llevará en primer lugar a huir de la policía y más tarde a buscar un trabajo.

2.-  En la agencia Poliakoff una secretaria enfadada con Joe, les dice que hay una orquesta femenina que buscan trabajo para dos músicos. Joe, al descubrir que es una broma, se niega a aceptar el trabajo y consigue al final que la secretaria le deje las llaves de su coche para poder ir a un ''bolo''.

3.- Al haber ido al garaje a buscar el coche, se convierten en testigos del asesinato de ''Montadientes'' por ''Botines Colombo''.

4.- Otra vez el azar les empuja a replantearse la idea de convertirse en dos mujeres y unirse a la orquesta femenina.

5.- En el tren, el hecho de que cayera una botella convertirá la litera de ''Daphne'' en una fiesta nocturna de mujeres. A pesar del momento, Daphne no logrará sacar partido, llegando a convertirse en una más. En cambio, Josephine se encuentra por casualidad con Sugar en el baño y consigue escuchar unas confesiones que le servirá más adelante para conquistarla.

6.- La aparición de Osgood, permite a Josephine adquirir una nueva personalidad, mezcla de la suya y la de Osgood. 

7.- La casualidad, como siempre, lleva a ''Botines Colombo'' y a sus secuaces a una reunión de ''Amigos de la ópera italiana'' en el mismo hotel donde se hospedan los protagonistas. Estos, al ser descubiertos consiguen esconderse debajo de la mesa donde se celebra dicha reunión.

8.- Allí, son otra vez testigos de la segunda matanza, la de Botines y sus secuaces, obligándoles a escapar de ''Little Bonaparte'' que les conducirá a la escena final de la barca.

(Sin duda, es un carrusel de vivencias la película)


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-Sugar: Yo, Sugar Kowalczyk de Baltimore, en el  yate de un millonario. ¡Si mi madre pudiese verme…!
-Daphne (mirando a su enamorado Osgood): Pues yo me alegro de que la mía no me vea.


Trama Principal


                Los cómicos, en esta película, abordan temas ''tabú'' de una manera muy atrevida si sabemos la sociedad de la época en que se rodó. Se plantean situaciones y se dicen y hacen cosas que gracias al humor se pueden ''digerir' o ''tolerar''. El tema tabú de ''Con faldas y a lo loco'' son las relaciones entre sexos vista desde la máscara del travestismo.


1.- Primero está la relación entre Joe y Jerry como hombres, el primero muy mujeriego y sin nada de escrúpulos y en cambio, el segundo se deja arrastrar por Joe, esperando conseguir la seguridad que no encuentra en él mismo.

2.- En segundo lugar, nos encontramos con sus otros ''yos'' como travestidos, Josephine/Joe y Daphne/Jerry. Joe nunca podrá olvidar que es un hombre y seguirá conservando su dominio sobre Jerry, mientras que Jerry llegará a encontrarse a gusto con su nuevo yo.


3.- La relación entre Sugar y la segunda máscara de Joe / ''Shell Oil Jr'' el cual  pasa por ser un millonario al que después de un suceso amoroso ya no encuentra interés por las mujeres (secuencia del yate). Bastante provocadora la escena en la que se da uno de los primeros besos ''lésbicos'' de Hollywood cuando Joe/Josephine besa a Sugar mientras ella está cantando en el salón de baile.

4.- La  extraña relación entre Daphne/Jerry y Osgood .Tanto la sorpresa de Jerry cuando Joe le recuerda que es un hombre, en el momento que Jerry le estaba diciendo que le habían pedido matrimonio, como las escenas divertidas del baile de tangos con un ''beso elíptico'' al pasar el clavel de la boca de ''Daphne'' a la de ''Osgood''.
      

''Wilder cuenta que la primera vez que los actores tuvieron que colocarse los disfraces y las pelucas, Lemmon salió rápidamente del camerino para enseñarle a todo el mundo su nueva identidad como Daphne, mientras que a Curtis tuvieron que sacarle a rastras. «El señor Curtis se convirtió en Josephine, desde luego que sí -recuerda Wilder-, pero era digno de ver, de camino a la cantina, a Lemmon pavoneándose como si fuese Mae West y a Curtis deslizándose pegado a la pared.» Al final, a Curtis no le quedó más remedio que resignarse y decidió unirse a Lemmon para poner a prueba su credibilidad femenina en un experimento un tanto ácido: se metieron en el lavabo de señoras del comedor del estudio. Según las declaraciones de Lemmon, nadie se inmutó siquiera.

Un día, Wilder trajo al plató a una famosa transformista que re­cordaba de sus días de juventud en Europa para que les enseñase algunas cosas a sus dos pupilos. Irónicamente, fue Lemmon quien le dio más quebraderos de cabeza a Barbette. La veterana reina del transformismo quiso enseñar a sus alumnos a caminar como una mu­jer, poniendo un pie delante del otro, pero Lemmon se negó a seguir sus instrucciones. «Nadie querra vernos a los dos hacer lo mismo - declara Lemmon-. Yo era el torpe, el zoquete, los zapatos me es­taban matando y se me torcía el tobillo cada dos por tres. Tony, en cambio, se movía con una elegancia y una facilidad pasmosas: alzaba la barbilla y apretaba los labios. Su Josephine no estaba en absoluto asustada por todo el asunto, pero mi Dapline estaba muerta de mie­do.» No hay duda de que Curtis guarda un buen recuerdo de su ailter ego femenino: «Me divertía ver a esa clase de mujer inaccesible, con clase y distinción. No soy una chica fácil.»''


Then again, she also wore this... so the film was definitely channeling a burlesque-feel for the costumes!




 
 Canciones de ''Sugar''


 En primer lugar, en el tren canta: ''Running Wild''en la cual nos muestra a una joven afectada a una perpetua crisis amatoria que se refleja muy bien en la canción.



Luego, canta su primera canción en el salón de bailes: ''I wanna be loved by you'' que nos representa un momento muy alegre y jovial de su estado de ánimo



Finalmente, llegando al final del metraje, en el mismo salón de baile termina con la canción: ''I'm through with love'' con un tono más triste y melancólico.



Sin lugar a dudas, la desgarradora Sugar Kowalczyck es uno de los ele­mentos clave en la leyenda de Marilyn Monroe.




 

Mi valoración - conclusión: La película, como bien he dicho antes, trata muchos temas respecto al género, a las relaciones, a la familia... dejando esto de lado, para mi ''Con faldas y a lo loco'' es un gran clásico dentro de la historia del cine.




 
Las interpretaciones del trío Marily-Jack-Tony son para disfrutar totalmente. La química de ellos tres, cuando están juntos, se traspasa fuera de la pantalla. Las escenas y los momentos que van viviendo son descabellados y cómicos y sin duda te lo pasas genial viendo la película. Los diálogos, son de lo más ocurrentes y graciosos, cosa que no es nada fácil que después de tantos años la película no envejezca.

En definitiva, la mejor película para mí de ''Marilyn Monroe'' o por lo menos la que más me gusta de su filmografía. Estamos hablando de ''120'' minutos de pura genialidad cómica que pasan en un suspiro. 

Nota: 9/10


Sugar : ¡Oh, cuántas copas de plata!
Joe: Son trofeos... cacerías de patos, crianza de perros, water-polo...
Sugar: ¡Water-polo! ¿Eso no es muy peligroso?
Joe: Si bastante, yo ya he ahogado dos caballos.





Os dejo con la escena clásica y memorable de ''Con faldas y a lo loco''

"Hablé con mamá. Estaba tan contenta que hasta lloró. Quiere que lleves su vestido de novia. Es de encaje blanco ". (Osgoog)

- "Osgood, no puedo casarme con el vestido de tu mamá. Seguro que ella y yo ...no tenemos el mismo tipo". (Jack Lemmon disfrazado de mujer)
- "Podemos arreglarlo". 

-: "Oh, no hace falta. Osgood, he de ser sincera contigo. Tú y yo no podemos casarnos".

- "¿Por qué no?.

"Pues, primero porque no soy rubia natural".

- "No me importa".


- "Y fumo. ¡Fumo muchísimo!".

- "Me es igual".

- "¡Tengo un horrible pasado!. Desde hace tres años estoy viviendo con un saxofonista".

- "Te lo perdono".

- "Nunca podré tener hijos".


- "Los adoptaremos"


- "No me comprendes, Osgood. (Se quita la peluca). Soy un hombre".




- "Bueno, nadie es perfecto".