domingo, 29 de junio de 2014

Vidas Rebeldes (The Misfits, 1961) (Crítica)




Título original: The Misfits
Año: 1961
Duración: 124 min.
País: Estados Unidos
Director: John Huston
Guión: Arthur Miller
Música: Alex North
Fotografía: Russell Metty (B&W)
Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter, Estelle Winwood, James Barton, Kevin McCarthy
Productora: Seven Arts Productions
Género: Drama | Animales. Caballos
Sinopsis: Una joven (Monroe), que llega a Reno (Nevada) para divorciarse, conoce a un viejo vaquero (Clark Gable) y decide quedarse unos días en su cabaña. Poco después él descubre en las montañas una manada de caballos salvajes. Con la colaboración de un vaquero especialista en rodeos (Clift), decide capturarlos para vender la carne.




Roslyn/Marilyn: ''Mi problema es que nunca me dura la felicidad, siempre condenada a estar sola, desde pequeña''
Isabelle: ''Tendrías a tu madre''
Roslyn/Marilyn: ''¿Cómo se puede tener a alguien que está siempre ausente?, nos veíamos poco, a veces pasaba meses con sus enfermos, demasiado tiempo para una niña''




Mi valoración: Una de las películas más infravaloradas de Huston,  dentro de su filmografía sería Vidas Rebeldes (The Misfits, 1961), pero también la que supuso para John Huston su recuerdo más melancólico. 

Vidas Rebeldes,  justo antes de empezar ya nos muestra con una escena lo que vamos a ver. La película comienza enseñándonos tres piezas de puzzle que no coinciden. De ahí, que el argumento trate a tres personajes que no encajan en la sociedad, tres personas que van deambulando sin encontrar un sitio o alguien que les comprenda y lo más curioso, es que los mismos tres actores vivían la misma situación en la vida real. Ese es uno de los hechos que hace que la película tenga un toque especial. 

Arthur Miller escribió el guión a causa de una experiencia personal. Él conoció a unos vaqueros que se dedicaban a cazar caballos salvajes cuando fue a divorciarse a Nevada de su primera esposa. Le contaron cómo se dedicaban a cazar caballos para venderlos como comida de perros y gatos. Cuando escribió el guión, él estaba enamorado de Marilyn pero en pleno rodaje modificaba muchas veces el guión y justamente su matrimonio empezaba a decaer. Allí, Miller encontraría a su futura esposa, la fotógrafa Inge Morath.
 
Marilyn interpreta a Roslyn y con ella nos regala una interpretación desgarradora y sacada de los más dentro de ella mismo, con una sensibilidad extrema. Se nos muestra con una belleza que supera a todas sus anteriores películas, ya que con cada año que pasaba y cada película que hacía, se mostraba mucho más atractiva. De esta manera la ven los tres vaqueros, los tres perdedores, los tres inadaptados. Gay (Clark Gable), es un hombre ya maduro que en ocasiones quiere revivir una época que en ese momento está desapareciendo y por eso, él no quiere adaptarse a la vida actual y se aisla en su casa a las afueras. De vez en cuando, moja sus penas con el alcohol. En segundo lugar está Perce (Mongomery Clift) que es un cowboy perdido y abandonado con una historia familiar a sus espaldas y que va destrozándose a sí mismo, tanto físicamente como mentalmente en los rodeos. Por último, Guido (Eli Wallach) es un hombre bastante amargado que va contagiando su pena a los que le rodean.




Sin duda, estos son tres personajes  ven en Roslyn, otra inadaptada, una esperanza o luz en sus vidas. Debido a su indudable belleza y su manera de transmitir la sensibilidad por la vida, les aporta una nueva brisa de aire fresco. Pero ella, también lleva dentro de sí un pasado con dolor. A Roslyn la vemos por primera vez delante de un espejo y siendo aconsejada por Isabelle (Thelma Ritter) sobre cómo debe superar y enfrentarse al divorcio. Roslyn, vive huyendo de todo ya que su extrema sensibilidad hace que todo le hiera pero al mismo tiempo, busca a toda costa que la amen y la protejan. Toda su vida ha sido bailarina de clubs nocturnos y ‘’Reno’’ se presenta a ella como un lugar donde volver a empezar.




Realmente la Roslyn de la película es la Marilyn de la realidad, una mujer insegura y obsesionada en buscar amor y afecto que deriva de una infancia bastante dura, con el abandono de su padre, con el hecho ser violada a los 8 años y por el tiempo de estar recluida en un sanatorio a causa de los trastornos de su madre. Todo eso le afectó durante toda su vida y de ahí que siempre ha buscado esa protección y afecto que se transmite también en el personaje de la película. Por eso,  Roslyn y Marilyn son uno mismo.




Todo este material de partida, está dirigido por el gran Huston que nos refleja esa sensación de soledad y de pérdida que nadie mejor que él nos puede transmitir.  La fotografía en blanco y negro de Robert Metty es imprescindible en esta triste película y la banda sonora de Alex North intensifica aún más la tristeza y la soledad de una dama rota y tres caballeros andantes y perdedores.
  
El segundo aspecto que hace que la película tuviera un aire ‘’maldito’’ es el hecho de que una vez terminó el rodaje, los tres actores acabaron muriendo en poco tiempo y por lo tanto, cuando vemos esta película realmente estamos ante un testamente, nos estamos despidiendo de tres grandes actores y por esa razón, a mí me transmite una sensación bastante rara cada vez que la veo. 

En primer lugar, Clark Gable tenía 59 años pero físicamente estaba bastante decaído. Se dice que la muerte de su primera esposa, Carole Lombard, le marcó para el resto de su vida. Gable murió 11 días después del rodaje de un ataque al corazón.
 
La siguiente en caer, fue Marilyn. En aquella época ya mostraba una belleza descomunal dejándonos uno de los iconos más atractivos de la historia del cine. Respecto a su vida, siempre ha estado sufriendo emocionalmente, pero en esta etapa de su vida tuvo su mayor crisis. El 5 de Agosto de 1962, un año después del estreno,  la actriz murió de una sobredosis de barbitúricos. No obstante, hay una gran cantidad de teorías sobre su muerte. Algunas de las cuales dicen que los Kennedy tuvieron algo que ver, también hay quienes culpan a la propia Monroe de su inestable personalidad e incluso los que hablan de la intervención de Edgar Hoover por las relaciones de Marilyn con diferentes comunistas. 

 


















Por último, Montgomery Clift, un gran actor que vivió una vida frustrada a causa de su condición sexual,  ya que era homosexual. Según Marilyn: "es la única persona que conozco que está en peor forma que yo". Él intentó ocultarlo durante mucho tiempo y eso le convirtió su vida en una tortura, además de consumir drogas y alcohol. Murió el 23 de junio de 1966 después de realizar algunos papeles, como ‘’Vencedores o vencidos’’ donde se dice que hizo la mejor interpretación de su carrera actoral.




Por lo tanto, estos tres actores, incomprendidos por la sociedad interpretan a tres personajes que están pasando por su misma situación. De ahí, que una vez los tres personajes se conocen, se necesitan mutuamente. La película habla de la soledad, del fracaso, de la infidelidad, de gente que no encuentra su lugar pero también de personas maduras, adultas, posiblemente en la mejor etapa de su vida, pero que al fin y al cabo son gente extraída de sus puestos y que han sido puestas en otro que no es el suyo. También nos muestra las debilidades humanas de los 3 hombres y como superan esas frustraciones alimentando sus egos cuando someten a un animal. En el caso de Gable y Cliff buscan el afecto que necesitan y Marilyn da vía libre a su instinto de madre protectora, en referencia a Mongomery Clift, pese a no darse cuenta. 




Por último, me quedo con dos escenas y diálogos como:

El momento que está Marilyn en la parte trasera del coche y Gable le dice: 

Gable: ‘’Empezamos las cosas sin ánimo de hacer daño como algo que nos parece natural, pero en un punto cualquiera de su desarrollo se convierten en algo malo. Lo mismo que bailar en un cabaret, tu empezaste solo con la ilusión de bailar, pero poco a poco la gente se fue desinteresando por la forma en que bailabas y todos empezaron a mirarte pensando en algo muy distinto, ¿el baile dejó de ser bueno verdad? Yo hubiera podido menospreciarte al saber que habías estado exhibiéndote en un cabaret, pero yo te respeté porque sé dónde está la verdad’’.

Claramente este diálogo se nota que está dirigido no al personaje de Marilyn sino a ella misma.



En segundo lugar, el final. Esa escena Marilyn y Gable conduciendo de noche, ‘’solos’’ por un camino desierto y con ese enfoque final a las estrellas diciendo ‘’ellas guiaran el rumbo a nuestras vidas’’, el rumbo de unas vidas desencajadas pero que aún existe esperanza. El guionista ‘’Arthur Miller’’ regala a Roslyn el final que él no pudo regalar a Marilyn Monroe. En una vieja furgoneta, abrazada al ídolo de su infancia, siguiendo las estrellas hacia un posible hogar.




Mi conclusión: Un gran película que recoge a tres mitos de la historia del cine y que lograron hacer una  espléndida interpretación pese a los problemas y dificultades que hubieron. Una película que después de 50 años  aún te transmite decepción y tristeza al ver a un grupo de personajes que imploran afecto y compresión ya que su destino no es diferente al de los caballos, tradicional símbolo de libertad que la industria convertirá en comida para perros. Una película que con solo saber el desenlace de esos tres grandes actores consigue que la veas desde otra perspectiva y sin duda, aunque la trama es bastante triste, para mí el conjunto es notable.

Nota: 8/10



 Banda Sonora:








martes, 24 de junio de 2014

John Rambo IV (Crítica)


 
Título original: Rambo (AKA Rambo IV)
Año: 2008
Duración: 93 min.
País: Estados Unidos
Director: Sylvester Stallone
Guión: Sylvester Stallone (Personajes: David Morrell)
Música: Brian Tyler
Fotografía: Glen MacPherson
Reparto: Sylvester Stallone, Julie Benz, Matthew Marsden, Graham McTavish, Reynaldo Gallegos, Jake La Botz, Tim Kang, Maung Maung Khim, Ken Howard
Productora: Lions Gate Films / Millennium Films / Equity Pictures / Nu Image
Género: Acción | Gore. Secuela
Web oficial: http://www.rambolapelicula.com
Sinopsis: El ex boina verde John Rambo (Stallone) lleva una solitaria y apacible vida en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para venderlas. Todo cambia cuando un grupo de misioneros católicos le proponen que les sirva de guía hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a los refugiados asediados por el ejército birmano, que ha hecho de la tortura y el asesinato una práctica habitual. En estas circunstancias, Rambo no tendrá más remedio que volver a tomar partido.

 John Rambo: ''Si alguien quiere disparar es el momento. A todos nos gustaría estar lejos de este lugar, pero este es nuestro trabajo y es lo que somos, vivir por nada o morir por algo.''







Mi valoración: Rambo IV, última entrega de la saga, es probablemente la más desgarradora de todas. Dirigida y escrita por el mismo Stallone, nos cuenta como el personaje de ‘’John Rambo’’ vive día a día apartado del mundo moderno, dedicándose a ayudar y sobrevivir por sus propios medios. Es entonces, cuando ocurre  algo y su deber le incita a marchar a la guerra.


 
En lo que respecta a la dirección, me gusta más como está dirigida esta película que Los mercenarios, siendo ambas dirigidas por el mismo Stallone. En esta película, las escenas de guerra, aunque la cámara se mueve rápidamente, logras ver mejor lo que está pasando. Realmente, un gran trabajo por parte de Stallone. El fallo que encuentro en ambas películas es la calidad de los efectos especiales que son muy flojos, se notan mucho, especialmente en las explosiones y la sangre. Ese punto débil es compensado por un sonido bastante impactante tanto en los disparos como en las explosiones de las bombas. El sonido de esta película es espectacular y uno de los puntos fuertes.


En el reparto, destacamos claramente a Stallone que físicamente muestra una gran diferencia de la anterior entrega ya que la verdad que han pasado unos cuantos años. Aun así, se muestra firme, rápido, agresivo y con ‘’la mirada del tigre’’ intacta. Del resto de la carnaza, la mayoría de los personajes son repelentes y no hay ninguno que llegues a empatizar en plan,  ‘’que no lo maten por favor’’. Sinceramente, te dan igual porque sus comportamientos son lamentables. De todos, salvaría a la chica que me gustó bastante su interpretación en la escena final y al francotirador ‘’ Matthew Marsden’’.

En cuanto a las escenas y la temática de la película hay que decir que es bastante fuerte y realista. En una entrevista ‘’Stallone’’ exponía que en casi todas las películas, cuando a alguien le pegan un tiro, de normal le hacen un agujerito sin más. Por lo tanto, él quería demostrarnos el potencial que tienen las armas cuando impactan con los seres humanos, los cuales quedan destrozados. Es por eso, que cada vez que hay una escena de acción, los cuerpos acaban hechos trizas. Pero la cuestión, no es el realismo de las muertes sino también el hecho de ver de que maneras y con que frialdad matan y torturan a la gente de los poblados. Es una película que no tiene reparos en mostrarte como violan a mujeres y niños, como juegan con la gente poniéndoles bombas para que exploten, y sobre todo saber que ese tipo de situaciones existen en este planeta. No hay palabras.

Por otro lado, la banda sonora es una grata sorpresa. La verdad que este compositor ''Brian Tyler'', tanto en los mercenarios, Fast Furious y en esta película, me está sorprendiendo mucho porque nos deja una o dos partituras que te mejora la escena completamente. En ''John Rambo'' respeta la partitura original del primer Rambo y además él aporta su trocito de banda sonora personal, y simplemente es genial. La dejo abajo por si la queréis oír. 

Por último, destacar la escena final que está Rambo encima de la ladera observando como ha quedado todo, y la chica después de ver a los soldados medio muertos que han ido a rescatarla, se queda llorando mirando a Rambo en plan ‘’Gracias por haber venido’’. Pero también esa escena me da a entender, que Rambo le está mostrando a ella lo que él le dijo que iba a pasar y como es la realidad pura y dura, es decir,  ‘’el horror’’. El mismo  horror que nos decía el General Kurtz (Marlon Brando) en Apocalypse Now:  

‘’ El horror tiene rostro. Tienes que hacerte amigo del horror. El horror y el terror moral deben ser amigos, si no lo son se convierten en enemigos terribles, en auténticos enemigos".  

Rambo, claramente ya está familiarizado con el horror. En cambio ella, lo acaba de descubrir, y de ahí su derrumbe psicológico que conlleva a terminar llorando en la última escena.

Mi conclusión: Una gran película en mayúsculas, que nos muestra, al igual que la mayoría de las películas bélicas, las atrocidades que se han cometido y se comenten hoy en día en nuestro mundo civilizado.

Nota: 8/10









Banda Sonora:


 

Paul Schulze.- ''La vida de esa gente cambiará''
Rambo.- ''¿Han traído armas?''
Paul Schulze.- ''Claro que no.''
Rambo.- ''Entonces no van a cambiar nada.''
 

domingo, 22 de junio de 2014

Ghost: Más allá del amor (Crítica)





Título original: Ghost
Año: 1990
Duración: 105 min.
País: Estados Unidos
Director: Jerry Zucker
Guión: Bruce Joel Rubin
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Adam Greenberg
Reparto: Demi Moore, Patrick Swayze, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Rick Aviles, Vincent Schiavelli, Vivian Bonnell, Phil Leeds, Angelina Estrada
Productora: Paramount Pictures
Género: Romance. Drama. Fantástico | Drama romántico. Fantasmas. Sobrenatural
Sinopsis: Una pareja de enamorados ve truncada su felicidad cuando él es asesinado por un ladrón. La necesidad de salvar la vida a la chica hace que él permanezca en la Tierra en forma de fantasma, e intente advertirla del peligro que corre. Su único medio de comunicación es una alocada vidente.



 Sam: ''Te quiero Molly, siempre te he querido''
Molly: ''Y yo...''






Mi valoración: ‘’Ghost’’  recopila críticas de todos los colores, siendo ‘’pastelosa’’ la palabra que más predomina. Pero bueno, estamos hablando de una película romántica y es lo que se espera de ellas siempre.


Para mí, aunque la película no es un peliculón, tiene su propia personalidad y no cae en el olvido como lo hacen la mayoría de las películas románticas que aparecen hoy en día en nuestras carteleras. El hecho es que las historias que nos cuentan son todas muy monótonas, solo cambian los actores. En el caso de Ghost, por ejemplo, trata el género romántico-drama a través de un tema atractivo para el público como es la muerte y la vida tras la muerte. Por lo tanto, aunque a algunos/as les gustará más o menos, hay que reconocer que ha dejado una pequeña huella dentro del cine, como también lo hizo Pretty Woman, Grease, Dirty Dancing, etc.


Es probable que una de las causas de que esta película quedó grabada en nuestras retinas,  es gracias a su banda sonora, tanto la canción ‘’Unchained Melody’’ como su instrumental consiguió que la escena del barro pasara a la historia del cine. La banda sonora es simplemente perfecta. En lo que respecta al reparto,  tanto Demi Moore como Patrick Swayze hacen un papel que diríamos aceptable. No son grandes actores, pero para este rol de argumentos cumplen correctamente. No entiendo la manía que le tienen muchos a Demi Moore cuando luego son los primeros que ven ‘’Ghost’’ excusándose de que no hacían nada bueno en la tele.



Por otra parte, el metraje no se hace aburrido para nada. La película consigue entretenerte de principio a fin y eso es debido a que combina el romanticismo con el drama, la intriga y de repente te aporta pequeños toques de humor gracias a ‘’Whoopi Goldberg’’ que está genial. 


Mi conclusión: En conjunto, todo el metraje es de notable, es una buena película y muy recomendable. Tengo que decir, que recomiendo cogérsela enserio, creértela y saber meterte dentro de la película porque si se empieza cuestionar si esto es posible o no al final no llegas a disfrutarla, especialmente el desenlace, que si tienes un mínimo de sensibilidad y sabes ponerte en la situación de los personajes es muy probable que caigas en el pañuelo. Aunque para muchos sea pastelosa, yo la considero que es muy recomendable verla en algunos momentos de nuestra vida.

Nota: 7,5/10




Banda Sonora: 

Unchained Melody:


 Instrumental:



Sam: ''Es increíble Molly, no te imanginas, cuanto amor me llevo... hasta luego.''

miércoles, 18 de junio de 2014

Parque Jurásico (Jurassic Park) (Crítica)





Título original: Jurassic Park
Año: 1993
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos
Director: Steven Spielberg
Guión: David Koepp & Michael Crichton (Novela: Michael Crichton)
Música: John Williams
Fotografía: Dean Cundey
Reparto: Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Ariana Richards, Joseph Mazzello, Wayne Knight, Samuel L. Jackson, Bob Peck, Martin Ferrero, B.D. Wong, Miguel Sandoval, Gerald R. Molen
Productora: Universal Pictures/ Amblin Entertainment
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Dinosaurios
Sinopsis: El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.



John Hammon: ''Doctor Grant, mi querida Doctora Sattler,  Bienvenidos a Jurassic Park.''




Mi valoración: Antes de empezar, tengo que decir que esta fue una de las películas que marcó mi infancia, probablemente tendría unos 6 años y gran parte de mi interés hacia ella fue debido a la que sí que es y será para mí, la película de mi infancia, ella es ''En busca del Valle Encantado'', que también participó Steven Spielberg como productor ejecutivo y que en otra ocasión hablaré de ella.



 


Y bueno, ¿Qué ocurre cuando un niño/a ve por primera una película como Jurassic Park? Yo pienso que es toda una experiencia que sobrepasa la pantalla y que una vez la terminas sabes que no has visto una película cualquiera. En mi caso, era estar dibujando dinosaurios hasta la saciedad. Pero, ¿Por qué nombro a la infancia?, pues simplemente porque es ‘’la etapa’’ donde estás en proceso de investigación-experimentación y todo te impresiona y emociona mucho más, en cambio, ahora nos cuesta una barbaridad que algo nos resulte increíble. Por lo tanto, yo considero que hay películas que son perfectas para verlas en esas edades y esta es una de ellas.




No obstante, y dejando ya de lado el tema infantil, voy a exponer lo que pienso de ''Jurassic Park''. En primer lugar, el libro no me lo he leído, así que las comparaciones que muchos hacen en plan, esto es igual y esto no y tal y cual, en mi caso yo solo me decanto a lo que veo, que bueno, al fin y al cabo es de lo que se trata. El argumento, es simplemente un parque con dinosaurios en el cual escogen a una serie de personas para darle el visto bueno y así poder abrirlo lo antes posible, pero algo sale mal y los dinosaurios se escapan. La cuestión es como de esa idea crear una obra maestra. Primero, escoger una serie de actores no muy conocidos y darles a cada uno, un personaje de la historia pero que tengan su carisma y su propia personalidad, aunque haya alguno que lo aburras y te den ganas de que se lo coman, pero que cada uno se diferencie del otro.Claramente, Steven Spielberg es ideal para eso, les da hasta un color apropiado a cada uno. Si os fijais, ''John Hammond'' va todo de blanco, ''Alla Grant'' destaca con su camisa azul claro, ''Ellie Sattler'' con camisa rosa (chico azul y chica rosa), ''Ian Malcom'' todo de negro así como sus teorías del caos, etc. Luego se incluye a un niño y su hermana mayor para darle ese toque que sin duda necesita la película. Por lo tanto, una vez se tiene eso, hay que crear el parque. El ambiente, la fotografía, los escenarios, los paisajes, el diseño de los coches, la puerta de entrada... es simplemente fenomenal. Esas montañas gigantescas que parece que estas entrando en otro mundo, en otra época, al igual que el decorado de las salas, con los huesos y las esculturas de los dinosaurios en la pared, todo una maravilla. Por último, hacen falta los dinosaurios y ahí es el punto culminante. Lo más grandioso que tiene esta película es la calidad de los efectos especiales de los dinosaurios sabiendo de antemano el año en que se hizo y sabiendo que le da mil patadas a muchas películas de ''hoy en día''. Gran parte del realismo en los dinosaurios es debido al uso a animatronics.



 Una vez ya tenemos a los personajes, un ambiente adecuado y unos dinosaurios muy logrados, nada de eso puede funcionar si el director no sabe hacer ‘’magia’’.  Me refiero a lo siguiente: 

Cuando una película es muy buena, realmente son los pequeños detalles los que la engrandecen. Es el hecho de jugar con los planos y de una simple niña con una cuchara y un poco de gelatina verde conseguir que esa escena pase a la historia del cine. Eso es todo ingenio del director, un plano de una niña temblando y viendo como tiembla la gelatina verde y al instante ver la sombra moviéndose del Velociraptor por detrás de una pancarta. Esa escena no hace falta 200 millones de dólares para hacerla y con casi nada, con una ''simple sombra'' y una cuchara temblando, creas en el espectador ''miedo'' de verdad, de ponerte en su situación y cagarte encima. O la escena de la cocina, fijaos, una simple cocina, dos Velociraptores y dos niños. Puedes simplemente ir directo a la acción ''a lo fácil'',  o caer en el clima de tensión que nos crea Spielberg, viendo al velociraptor asomarse por el cristal, abriendo lentamente la puerta con la mano, los niños arrastrándose despacio por el pasillo, la escena del pie del Velociraptor y la garra haciendo ''clak clak'', que si la cuchara cayendo, que si el niño entrando en el horno y el reflejo que engaña al Velociraptor… simplemente con un granito de arena te crea una montaña. Y así podía nombrar mil escenas, como el plano de la pisada del tiranosaurio en el barro, cuando la niña le enfoca al ojo en el cristal del coche, cuando saca el brazo el Tiranosaurio y toca la alambrada por primera vez y se da cuenta de que no está activada, la escena del nacimiento del velociraptor, cuando 'Alan'' siente la respiración del Triceratops'', la entrada en helicóptero con la música de fondo, la historia del circo de pulgas, la escena de la bajada del árbol o por último la escena de noche, arriba del árbol con los Braquiosaurios. El hecho de saber que a ''Alan Grant'' no le gustan los niños y al final acaban los dos durmiendo junto a él. Se queda mirándolos, sonríe, reflexiona pensando su situación y finalmente termina lanzando la garra del Velociraptor al suelo. Son esos pequeños detalles, con ese toque  ''personal de Spielberg'' que simplemente con otro director, con 10 veces más cantidad de dinero te haría una mierda. Por lo tanto, lo importante es el ingenio, el cómo idear cada escena y no el presupuesto.



Y para terminar, que decir de la banda sonora. Que gran partitura creó John Williams que le aporta una sensibilidad y una carga de emoción a cada escena, que al espectador lo deja sin habla. Una maravilla, sinceramente no se puede decir más.



  
Mi conclusión: Desde mi punto de vista me cuesta mucho que una película tenga un 10, pero cuando todas las características están como deben estar, ya sea del ''género'' que sea, sin duda se merece un 10. Jurassic Park es lo que yo diría una película redonda, lo es y lo será, porque olvidad que en un futuro sea haga una película que deje al cine desnudo por un instante, porque cuando se estrenó Jurassic Park creó un antes y un después y eso no lo consiguen todas las películas.




Nota: 10/10













Banda Sonora: 





Alan Grant: ''¿Cómo lo ha hecho?''
John Hammond: ''Se lo enseñaré''